MAÑANA, EN EL CAFAE, SINMUTE, DE JAVIER BELLIDO Y ANA BALCÁZAR
Hay un nuevo cine peruano que es el secreto mejor guardado, y que se va abriendo camino; pudimos mostrar gran parte de él en tres ciclos en la Cayetano:
Nos encantó la sorpresa de muchos espectadores al confrontarse con propuestas de lo más variadas y con evidentes ambiciones estéticas, las que, además, poco o nada tenían que ver con los cadáveres no-exquisitos de ese cine peruano que nos avergüenza o nos hace reír.
Sinmute pertenece a esta estirpe de nuevas películas sorprendentes que nos hacen salir del cine estimulados en vez de francamente estafados. Sí, esto es una recomendación. Porque de estas películas sí será un verdadero placer escribir. (M.C.)
Viernes 1· de Octubre:
Sinmute, de Javier Bellido y Ana Balcázar (Perú, 2008, 56 min.) Las imágenes narran sucesos en los que un hombre mezcla su vida cotidiana con su oscuro y maravilloso mundo subconsciente. Su condición de humano lo acecha constantemente y se pierden las nociones de realidad o sueño.
PARAÍSO, DE HÉCTOR GÁLVEZ, HOY, EN EL CINECLUB DE PUEBLO LIBRE
Cerrando el ciclo "Una Pequeña mirada: La nueva cara del Cine Peruano", presentaremos la película PARAÍSO de Héctor Gálvez. Una película imperdible, por su calidad visual; por sus construcciones metafóricas; una mirada sincera de la pobreza; del Perú que nos negamos a ver.
Una película que abre una nuevo ciclo en el cine peruano. Un punto de quiebre en la historia de la creación cinematografica en nuestro país.
Luego de la presentación tendremos la presencia de Héctor Gálvez para un conversatorio.
Lugar: Elgalpón.Espacio (Av Cipriano Dulanto 949 - Ex La Mar) Hora: 7:30 pm ENTRADA LIBRE
MAGALY SOLIER CRITICA A TETACINE, PERDÓN, A CONACINE
Acabo de leer tu blog.
Felicitaciones, Magaly Solier.
Se agradecen tu valentía y tu claridad.
Leamos:
¿SOY ACTRIZ PERUANA O REGIONAL?
HOLA A TODAS Y TODOS.
QUISIERA DAR MI OPINION. SE QUE OTRA VEZ ME DIRÁN QUE “CIERRE LA BOCA”, “QUE SE CREE ESTA CHOLA, ESTA INDIA”, PERO ME DA LO MISMO. ESTE ES MI BLOG Y MI MEDIO DE EXPRESION.
QUIERO QUE ALGUIEN ME EXPLIQUE PARA QUE SIRVE EL CONACINE. ¿PARA APOYAR AL CINE PERUANO? ESPERO QUE SI, PERO SEGÚN VEO SIRVE MAS PARA APOYAR UN GRUPITO DE ARTISTAS LIMEÑOS AMAMANTADOS DESDE HACE AÑOS POR LOS IMPUESTOS DE TODOS LOS PERUANOS, INCLUIDOS LOS PROVINCIANOS. HAY QUE DEJAR LA TETA Y COMPARTIR EL PEZÓN DE UNA VEZ.
SE LE DICE “CINE PERUANO”, SI, ESE QUE GANÓ UN OSO DE ORO EN ALEMANIA, SÍ, ESE QUE FUE NOMINADO AL OSCAR®. CINE PERUANO, NO CINE LIMEÑO.
HACE UNOS DÍAS LLEGARON “A LA LIMA” DESDE PROVINCIAS MUCHOS DIRECTORES Y ARTISTAS AUDIOVISUALES PARA SER RECIBIDOS EN LA COMISON DE EDUCACIÓN, LA CUAL LES DIO SOLAMENTE 5 MINUTOS PARA DECIR LO QUE TENIAN QUE DECIR, 5 MINUTOS!!! ¿QUIEN PODRÍA EXPLICAR EN 5 MINUTOS AÑOS DE FUSTRACIÓN? ¿QUIEN?
EL CONACINE PRACTICAMENTE OBLIGA A LOS CINEASTAS “REGIONALES” A TENER QUE VENIR HASTA “LA LIMA” PARA PODER INSCRIBIR SUS PROYECTOS CINEMATOGRÁFICOS “REGIONALES” Y ASI PODER POSTULAR POR UNA AYUDA PARA COMPLETAR EL FINANCIAMIENTO DE SUS PELÍCULAS. HASTA ALLÍ TODO LÓGICO, PERO LA COSA ES QUE ME ENTERÉ QUE YA ESTANDO AQUÍ EN “LA LIMA”, EL CONACINE DECIDE SI LOS INSCRIBEN O NÓ AL CONCURSO. OSEA, LOS DISCRIMINAN, POR QUE SEGÚN ELLOS, EL CONACINE DECIDE QUIEN ES DIRECTOR O NO. SI UNO VA A INSCRIBIRSE, PUES SE RECIBE LA INSCRIPCION, ¿CIERTO? ¿O ES UN CONCURSO CERRADO Y NO ABIERTO A TODOS LOS PERUANOS? CUANDO LOS CINEASTAS DE LA CAPITAL VAN A RODAR SU PELICULAS A PROVINCIAS… ALLI SI HAY QUE TRATARLOS BIEN. TENEMOS QUE SER SUS CHOLITOS Y DARLES TODO EN LA BOQUITA, SU AGÜITA CALIENTE, SU PASTILLITAS PARA EL SOROCHE, SOPORTAR SUS GRITOS DE MANDONES Y COMER UNA PLATO MAS FEO Y BARATO QUE EL EQUIPO QUE VIENE DE LIMA, SIN PRESITA.
OSEA, ¿ES COMO UN “AVATAR” PERUANO?, POR QUE DE CINE SE TRATA , ¿NO?
YO NO SOY ACTRÍZ, NO TENGO MI PAPELITO NI CARTONCITO QUE DICE “ACTRÍZ”, PERO SIN ESO HE PARTICIPADO EN PROYECTOS INTERESANTES QUE HAN PUESTO AL PERU EN BOCA DE TODOS, Y…AH, SI, AHORA RECUERDO, “SOY SERRANA, HABLO QUECHUA Y COMO PAPA”….Y SOY “ACTRÍZ” .
¿NO PUEDE HABER ACASO, LA SOSPECHA AL MENOS, DE QUE EN LAS PROVINCIAS DE ESTE PAIS EXISTA AL MENOS, UNO, SOLO UNO, QUE TENGA REALMENTE TALENTO?
EL CINEASTA “REGIONAL” PERUANO Y TRUJILLANO RÓGER NEYRA FUE SELECCIONADO ESTE AÑO EN EL FESTIVAL DE CANNES, SI, COMO LO LEEN, EL FESTIVAL DE CINE MAS IMPORTANTE DE FRANCIA, EN LA SECCION SHORT FILM CORNER CON SU CORTOMETRAJE Q’EROS, HOMBRES DE ALTURA, SELECCIONADO “entre más de 1500 trabajos provenientes de más de ochenta países.” OSEA, SI HAY TALENTO EN LAS PROVINCIAS DEL PERU. SIN AYUDA DE “LA LIMA”
PERO HASTA EN LAS MEJORES FAMILIAS PASA: EL DIRECTOR PERUANO, RAUL DEL BUSTO TIENE AUN SU PROYECTO LLAMADO LAS CENIZAS: La productora Intro Films ha informado que su proyecto Las cenizas, que será dirigido por el director Raúl Del Busto y viene siendo seleccionada en distintos festivales en esa etapa del proceso, como Rotterdam, BAFICI, Locarno y Cartagena, ha conseguido involucrar dos grandes nombres en su esquema de coproducción: Lita Stantic Producciones y Mantarraya Producciones. En el primer caso, se trata de la empresa de Lita Stantic, una de las artífices del Nuevo Cine Argentino, con títulos como La ciénaga y La niña santa de Lucrecia Martel; Mundo grúa de Pablo Trapero; Bolivia y Un oso rojo de Israel Adrián Caetano; Camila y Yo, la peor de todas de la desaparecida María Luisa Bemberg; y la opera prima de Paz Encina, Hamaca paraguaya. Mantarraya, junto con No Dream Cinema, son las naves con la que Carlos Reygadas está navegando por las mejores aguas del cine mundial, con sus obras Japón, Batalla en el cielo y Luz silenciosa, y que además le han permitido distribuir cintas como las del argentino Lisandro Alonso (Los muertos) y La muerte del señor Lazarescu, la obra maestra del rumano Cristi Puiu.
DENTRO DEL CASTING HABIAN NOMBRES DE ACTORES COMO ENRIQUE VICTORIA Y CARLOS GASSOLS…Y UNA CARTA MIA ACREDITANDO MI PARTICIPACION. BUENO, LE NEGARON LA AYUDA AL SR. DEL BUSTO. ¿POR QUÉ? SEGÚN SUPE, POR QUE CON TODO ESE APOYO, ESTE PROYECTO NO NECESITA AYUDA DEL CONACINE. OSEA, LA PRÓXIMA VEZ QUE MI CLAUDIA POSTULE AL CONACINE, ¿TAMBIÉN LE VAN A A NEGAR LA AYUDA? HAY QUE DECIR QUE SIN LA PARTICIPACIÓN DEL CONACINE, UN PROYECTO HECHO EN EL PERU, POR PERUANOS, NO PUEDE REPRESENTAR AL PAIS EN EVENTOS O FESTIVALES DE CINE INTERNACIONALES. SI ME EQUIVOCO, QUE ME CORRIJAN POR FAVOR LOS ERUDITOS CON DIPLOMAS EXTRANJEROS.
LO MISMO SUCEDIÓ CON LOS SONIDOS PROFUNDOS, DEL MULTIPREMIADO DOCUMENTALISTA PERUANO JAVIER CORCUERA, DEL CUAL ESTOY MUY ORGULLOSA DE HABER PARTICIPADO. LA MUSICA PROFUNDA DEL PERU ESTÁ EN ESTE PROYECTO, LA PROFUNDA, NO LA DE MODA. NO SABEN EL GRAN ERROR QUE HAN COMETIDO.
BUENO, YA PARA DEJAR ESTO Y TOMAR DE UNA VEZ MI HEPABIONTA CON EMOLIENTE, YO APOYO LA LEY QUE PROPONE:
*- Cambios buscando hacer los concursos más democráticos, inclusivos y descentralizados, y las convocatorias de los concursos de manera transparente y menos engorrosa. *- Difusión masiva de películas peruanas, latinoamericanas y culturales, incluyendo mediometrajes, documentales y cortometrajes, en coordinación con los municipios provinciales y distritales.
ESPERO QUE LOS ARTISTAS “REGIONALES” NO TENGAN QUE VOLVER A PASAR POR ESTOS TRAJINES Y VERGÜENZAS (COMO CUANDO UNA CONGRESISTA COMPAÑERA, EN PLENA EXPOSICIÓN, SIMPLEMENTE SE FUE DE LA REUNIÓN Y OTRA, COMPAÑERA PARAR VARIAR, SE BURLABA DE ELLOS DEBAJO DE LA MESA DE “POBRECITOS LOS DISCRIMINADOS”).
TENGO FÉ EN QUE LA SRA HILARIA SUPA, COMO ACTUAL PRESIDENTA DE LA COMISION DE EDUCACIÓN (QUE ADEMÁS ES COMISIÓN DE Ciencia, Tecnología, Cultura, Patrimonio Cultural, Juventud y Deporte), COMO MUJER LUCHADORA PROVINCIANA, COMPRENDA POR LO QUE PASAN SUS “PAISANOS REGIONALES” Y HAGA ALGO REALMENTE FAVORABLE PARA TODOS LOS PERUANOS, PARA TODOS.
MAGALY SOLIER ROMERO “ACTRÍZ” HUANTINA REGIONAL Y PERUANA DE CORAZÓN.
Angst, de Gerald Kargl (La angustia del miedo, Austria, 1984, 94 min). "Estaba muy interesado en la psicología de este asesino en serie (Kniesek) y quería proveer una mirada más honda de su psique, mayormente vía la narración en tiempo real y su voz interna, continuamente presente en la voz en off." Considerada superior a 'Henry, retrato de un asesino en serie' de John MacNaughton (1986) y referencia ineludible para el cine de Michael Haneke.
Thomas Bernhard cuenta con impasible agudeza en su novela autobiográfica El Origen (1975) que luego del fin de la guerra, al volver a su escuela, encontró en donde antes estuvo colgada la foto de Hitler una cruz. El sistema educativo era, así pudo comprobarlo, igual de democrático ahí, a despecho de (o justamente por) ese cambio deimagen. He recordado el placer que me produjo que me explicaran mi propia educación católica de manera tan económica. Muy cinematográfico, como verán. Leí el libro pocos años después de salir del colegio –y no puedo decir que me haya recuperado, tanto del colegio como del libro– así que mientras miraba La Cinta Blanca comprendía, sentía, una vez más (de nuevo Bernhard) que una manera de ver a la humanidad es como a una legión de niños abusados y torturados, y no pude evitar preguntarme por Hitler niño e imaginar de nuevo a su antítesis, Bernhard niño… En cuanto al niño Hitler, lo imaginé de inmediato no demasiado diferente de los torturados y torturadores niños y rubios, en blanco y negro (el mundo para ellos es, literalmente, blanco y negro) que aparecen en la película de Michael Haneke. La reconstrucción histórica resulta sin duda apreciable y me tiene sin cuidado. Es la idea lo que me importa. El tema: volver imaginariamente a esa época para descubrir o recordar que no nos hemos movido de ahí, pese a las apariencias… El ideal autoritario contempla el sometimiento a algo más grande que uno: una idea de lo todopoderoso, de lo perfecto, de la pureza, totalmente diabólica… Me interesa la puesta en escena de esta idea (¿y esta idea no sería hoy por hoy la del mercado?).Viene a mi mente, mi favorita de Haneke: El Séptimo Continente (1989). Los protagonistas de aquella película son los herederos contemporáneos del protestantismo, del autoritarismo, que brilla ahí, más sutil y no menos siniestra que en La Cinta Blanca. Y son ellos, justamente, los hijos de la economía (ideología) del mercado. Y Haneke no ha realizado otra película tan rigurosa y desnuda… Veinte años después, con La Cinta Blanca, encuentro de nuevo una sensación Bergman en una película de Haneke, más vestida. Culpa y religión, culpa e ideal autoritario y sistema socio-político como una y la misma cosa. Entiendo que la construcción más clásica, más asimilable, más convencional de La Cinta Blanca haya encandilado (y con razón) a muchos. Entiendo también que esta película de Haneke puede servir (objeciones aparte) para acceder al conjunto, complejo y contradictorio, de su, casi siempre apreciable y casi siempre inquietante obra. (M.C.)
FILM AS A SUBVERSIVE ART, DE AMOS VOGEL, O: EL LIBRO DE LA SEMANA + LAS 1000 PELÍCULAS ESENCIALES DE JONATHAN ROSENBAUM
This is a book about the subversion of existing values,institutions, mores, and taboos -- East and West, Left and Right -- by the potentially most powerful art of the century. It is a book that traffics in scepticism towards all received wisdom (including its own), towards eternal truths, rules of art, "natural" and man-made laws, indeed whatever may be considered holy. It is an attempt to preserve for a fleeting moment in time -- the life of this book -- the works and achievements of the subversives of film.
Vase de noces, de Thierry Zeno (Vaso de bodas. Bélgica, 1974, 80 min). Filmada en blanco y negro, con un solo actor humano y con sonidos diversos y melodías que no hacen extrañar la palabra. Sublime, extrema, alegórica; inspirada por la pintura de Bosch, el análisis de Jung y el cine de Pasolini, comporta una reflexión en clave poética sobre la soledad del hombre y su regreso a una serie de experiencias primarias, 'míticas' y pre-lingüísticas.
DE IQUITOS AL CAFAE: EL ÚLTIMO PISO (2009), DE DORIAN FERNÁNDEZ. HOY, A LAS 7:30 P.M.
Filme iquiteño “El Último Piso” se presenta en Lima
Este viernes 17, el cine amazónico peruano tendrá una nueva oportunidad de expresar sus virtudes artísticas, cuando se presente en Lima el nuevo mediometraje de la productora Audiovisual Films de Iquitos, titulado “El último piso”.
La cinta, de 57 minutos de duración, fue dirigida por el cineasta loretano Dorian Fernández, realizador de Chullachaqui (2007) y el corto de género Inmortal (2008) entre otros. La idea nació a partir de la realización de los Talleres Creativos Revolución Visual, realizados entre enero y febrero del 2009. Más de treinta entusiastas promotores que participaron en dichos talleres fueron parte de esta producción, que combina tres historias cruzadas en un solo día, con el marco general de Iquitos alejada de los estereotipos y más bien gélida, triste, desesperanzada. El guión original fue realizado por el escritor y guionista Paco Bardales.
El gran protagonista del film es el edificio de Essalud, el más alto de la ciudad, destinado antaño a ser un lujoso hotel de cinco estrellas y abandonado hace más de veinte años, que solo guarda chatarra y archivos de logística, así como el mito urbano que en su interior vive alguien que misteriosamente nunca da la cara y de quien solo se escuchan rumores o ruidos que se reparten a través del tiempo.
“El último piso” fue grabado entre febrero y marzo del 2009, en diversos espacios urbanos, públicos y privados, de Iquitos, en más de trece sesiones de rodaje y cuenta con las actuaciones especiales de los actores loretanos Duller Vásquez, Gladys Vásquez y Joel Huamán. La producción ejecutiva correspondió a Paco Bardales, Sofía Herrera e Irina Yanovich, fue editada Kenny Reátegui y Leo Ramírez, y contó con la participación de la Orquesta Sinfónica de Loreto en la realización de la música original creada para el filme por Dorian Fernández.
El filme fue estrenado en Iquitos entre febrero y marzo de este año en Multicines Star con buena acogida tanto de público como de crítica. Con esta presentación en Lima se inicia un calendario de exhibiciones tanto en la capital como en otras ciudades del país.
La presentación se realizará este viernes 17 de setiembre a las 7.30 p.m. en el Centro Cultural José María Arguedas del CAFAE-SE (Av Arequipa 2985, San Isidro). La entrada es libre.
“La novela, el cine y la televisión poco a poco, pero interrumpidamente, han ido reemplazando al sermón y al tratado como principales vehículos del cambio y del progreso moral. En mi utopía liberal ésta sustitución sería objeto de un reconocimiento del que aún carece. Ese reconocimiento sería parte de un giro global en contra de la teoría y hacia la narrativa. Ese giro sería un símbolo de nuestra renuncia al intento de reunir todos los aspectos de nuestra vida en una visión única, de redescribirlos mediante un único léxico; consideraría la elaboración de utopías, y la elaboración de utopías posteriores, como un proceso sin término, como realización incesante de la Libertad, y no como convergencia hacia una Verdad ya existente.”
CLAUDE CHABROL (1930-2010): CLASE MAGISTRAL. ENTREVISTA DE LAURENT TIRARD
De todos los cineastas de la Nouvelle Vague, Claude Chabrol es quien ha tenido una carrera más estable. Mientras Jean-Luc Godard o Eric Rohmer ruedan cada vez menos y para públicos más restringidos, Chabrol continúa estrenando películas a un ritmo prácticamente anual, y logra incluso el lujo de verdaderos éxitos populares. Hay que decir que en treinta años, este cineasta fascinado por la psicología burguesa ha sabido crear un género que le es propio. Los espectadores saben siempre qué van a encontrar en un filme de Chabrol. Y si a algunos esto les parece previsible y aburrido, mucho siguen hallando placer en ello. Notable vividor (la leyenda dice que escoge los lugares de rodaje en función de los restaurantes de las inmediaciones), también tiene la reputación de una exigencia sin parangón con su equipo y actores. Nos reunimos en París cuando se estrenaba La flor del mal, que se reveló un nuevo éxito. Gracioso y locuaz, e incluso un tanto provocador, Chabrol habló con la seguridad de quienes no tienen nada que demostrar y se animó a proferir una serie de curiosos comentarios sobre ciertos jóvenes cineastas (sobre todo americanos), pero tan virulentos que no me he atrevido a reproducirlos aquí.
Clase magistral de Claude Chabrol
Cuando rodé mi primera película tenía veintinueve años y no había puesto nunca el pie en un plató. Mis conocimientos eran puramente teóricos, hasta el punto de que, cuando rodamos el primer plano, el director de fotografía me propuso mirar a través de la cámara, y en lugar de poner el ojo en el visor, quise mirar a través de un perno que hay debajo. Normalmente, un fallo semejante resulta fatal para un realizador. Sin embargo, conseguí hacerme respetar por el equipo porque, gracias a todos los filmes que había visto antes, sabía exactamente lo que quería. No dudé una vez, no me equivoqué, y creo que eso tranquilizó a todo el mundo. La primera lección que aprendí con esta primera película es hasta qué punto, en el cine, más que en otros sitios, el tiempo es dinero. Era tan minucioso que a los ocho días de rodaje ya llevaba tres días de retraso. Mi primer asistente me dijo que a ese ritmo el presupuesto se agotaría rápidamente, y como yo era mi propio productor, fue un argumento que me caló. Entonces me obligué a ir más de prisa, y es así como comprendí finalmente que no se trata de conseguir lo que queremos en el más mínimo detalle, y que solo es indispensable conseguirlo en el plano. Creo que el error que comete todo director principiante es no saber distinguir lo importante de lo que no lo es. Se le da la misma importancia a todo y se quiere explicar todo: por qué ponemos la cámara ahí, por qué usamos esa distancia focal, etc. Sin embargo, con la experiencia, me doy cuenta de que lo principal es tener una visión clara del filme que queremos hacer. Y si no logramos explicar por qué algo se hace de determinada manera, ¡tanto peor! A pesar de todo tenemos que hacerlo, para respetar el tiempo de rodaje. En realidad, el secreto de una película lograda es haber meditado mucho antes de realizarla. Creo que muchos realizadores llegan al plató sin haber alcanzado un estado de reflexión que les permita trabajar bien. Debido a ello pierden el tiempo, y por lo tanto el dinero, y acaban por tener que gestionar cuestiones económicas.
INVENTAR UN ESTILO, NO UNA FORMA
La gramática “básica” del cine, la del viejo sistema hollywoodense, se hizo para ser transgredida –y así fue-. Sin embargo, no está mal disponer de algunas reglas en las que apoyarnos. Por ejemplo, cuando filmamos un plano-contraplano, es muy práctico saber que los dos actores no deben mirar al mismo lado de la pantalla, porque si no, una vez hemos montado la película, dará la sensación de que se dan la espalda. Pero al margen de esto podemos hacer lo que queramos. Es exactamente como en Literatura. Hay una gramática y cada cual debe crear su estilo haciéndole cosquillas, sin dejar de reconocer lo que se ha hecho antes. Pero no hay que confundir el estilo con la forma. Por ejemplo, hay algo que me irrita sobremanera en este momento, y es la manera de filmar de series de televisión como NY Police Blues: el estilo “falso reportaje”, cámara al hombro, en el que se siguen todos los movimientos de los personajes. Lo que me sorprende en esta manera de hacer las cosas es que va totalmente en contra del arte cinematográfico. El actor está hablando, introduce su mano en el bolsillo para sacar un pañuelo, y la cámara acompaña el movimiento. ¿Por qué? Si nos divierte seguirlo todo es porque no hay punto de vista. Tiene una apariencia de estilo, pero no es un estilo en absoluto, es sencillamente que no se sabe seleccionar. Otra cosa que me sorprende son los realizadores que creen que al multiplicar los planos aceleran el relato; yo opino lo contrario. Sesenta planos de un segundo te parecerán más largos que un solo plano de un minuto. Es una cuestión de persistencia de la retina. Otro tanto ocurre con la cámara lenta en las escenas de moribundos. Sé que ha pasado a ser un principio aceptado, e incluso Peckinpah, cineasta al que adoro, incurría en la tontería de filmar en cámara lenta a los personajes en trance de morir. No obstante, en mi opinión, coreografiar la muerte es la mejor manera de usurparle toda importancia. A menudo este tipo de cosas provienen de directores que pretenden imponer un estilo a través de un método formal e innovador. Personalmente, me sitúo, en el extremo opuesto. Cuanto más ruedo, menos efectos quiero hacer, o más exactamente, intento que los efectos sean invisibles, es decir, lograr efectos que no lo parezcan. Por ejemplo, en una de las primeras escenas de La flor del mal (2003) Bernard Lecocq y Benoît Magimel están en un coche y había que mostrar cierto malestar oculto entre ellos. Así pues, empecé rodando la escena desde el exterior, y en un momento determinado, cuando quise mostrar lo que hay más allá de las apariencias, situé la cámara en el interior del coche, con planos cada vez más próximos. Hay un momento en el que quieren ocultarse algo, entonces los filmo de espaldas, desde el asiento de atrás. Así, sin que se haya dicho nada, sabemos de inmediato la situación de ambos personajes. Y más tarde, cuando Magimel dice que no quiere a su padre, no es una sorpresa para el espectador. Se le ha preparado inconscientemente. Éste es el tipo de manipulación invisible que me gusta en el cine.
DIRIGIR ES DECIR LO MENOS POSIBLE
Cuando abordo una escena determinada, normalmente sé dónde situar la cámara, así que empiezo a trabajar con los actores para que se encuentren a gusto. Y la mejor manera de conseguirlo es mostrándoles que la cámara estará con ellos en los momentos importantes, que las expresiones que han ensayado ante el espejo se registrarán adecuadamente. En definitiva, que no han trabajado en vano. Diría que esto se soluciona prácticamente en los dos o tres primeros días de rodaje. Después, una vez que el actor ha cogido confianza, normalmente la mantiene hasta el final. Realizo muy pocas tomas, lo que implica que mis ensayos no van mal. Pero tampoco insisto mucho porque la mecanización se instala pronto. Y hace falta algo de trabajo sin red, es mejor. En mi opinión, el secreto de la dirección de actores consiste en no dirigirlos en absoluto. En el mejor de los casos les doy indicaciones de comportamiento. Por ejemplo, en La flor del mal, le digo a Bernard Lecoq: “Es el típico individuo de manos temblorosas”. Otro tanto con Jean-Pierre Cassel en La ruptura (1970). Le dije: “En realidad, el problema de tu personaje es que teme no existir. Está convencido de que desaparecerá como humo. Por eso se palpa a menudo”. Este tipo de detalles bastan para que el actor comprenda perfectamente al personaje. Pero no hay que mostrarles lo que deben hacer. Hay que dejarlos libres para probar cosas, incluso cambiar las réplicas del guión. A este respecto carezco de orgullo de autor. A veces los actores pueden tener ideas geniales, y hay que aprovecharlas. A veces pueden tener ideas idiotas, y en ese caso hay que mantenerse firme, explicarles tranquilamente por qué no es una buena idea, e incluso por qué la han concebido. Esto suele ocurrir con los principiantes, porque esos tics son un modo de disimular el miedo. En Gracias por el chocolate (2000), recuerdo que Anna Mouglalis había desarrollado uno de estos tics: hablaba sacudiendo la cabeza. Enseguida le pareció muy extraño y le dije: “Bien, así es como hablas cuando la cámara rueda…” Pero lo dije con sentido del humor, porque siempre hay que dirigirse a los actores con respeto. Hay grandes directores que gritan a los actores, que practican el método de la tensión, que les dicen “Lo has jodido” delante de todo el equipo. Ése no es mi estilo.
UN ACTOR DEBE AMAR SU PERSONAJE
Nunca escribo un guión con un actor en mente, porque entonces caemos en la trampa que consiste en que alguien vuelva a interpretar un papel que ya ha hecho. Cuando elijo a un actor, primero tiene que interesarme, tiene que interesarme la persona. He conocido actores que me gustaron mucho en las películas y después de un desayuno juntos, me he dado cuenta de que la cosa no funcionaría entre nosotros. Pero lo que no hay que hacer nunca es mistificar al actor, por ejemplo, contratar a un tipo que nos parece tonto porque queremos que interprete a un tonto. Es deshonesto y, sobre todo, no funciona. Personalmente, soy más bien partidario de que los actores encarnen papeles que en principio no son adecuados para ellos. Parto del principio de que un actor puede interpretarlo todo, pero no necesariamente de la misma manera. Cuando contacté con Jean Yanné para Que la bestia muera (1969), le dije: “Verás, es un papel de cabrón insoportable”. Me respondió: “No hay problema”, lo que me pareció encantador. Y en el plató se pasaba el tiempo justificándome el comportamiento de su personaje. Esto es fundamental, porque un actor, a no ser que interprete a alguien que se deteste a sí mismo, debe amar su personaje, independientemente de cuál sea. Con mucha frecuencia observo a actores que no lo comprenden, que establecen una distancia entre ellos y el personaje, sin duda por miedo a que el público no distinga la diferencia. En mi opinión es un grave error.
UN TRABAJO DE PRECISIÓN
No filmo más de lo necesario. Sé exactamente cómo debo rodar el filme y cómo lo voy a montar, por lo tanto la idea de rodar planos suplementarios me parece una aberración. En primer lugar porque me haría perder tiempo, y luego porque implicaría que el plano previsto no era el plano evidente, y por lo tanto que no he pensado bastante en ello. Sé que hay muchos directores de cine que prefieren acumular imágenes para elegir después, pero, personalmente, creo que escogen un poco tarde. Ahora, en el rodaje, dejo cierto espacio a lo inesperado. Nunca hago películas que al final cuenten otra cosa de lo que tenían que contar al principio, pero a veces cuentan eso y algo más. Puede ocurrir que tengas un tema con dos aspectos, uno de los cuales te parece más importante y el otro secundario, como una melodía en contrapunto. Y en el momento del rodaje puede suceder, sobre todo a través de la interpretación de los actores, que ciertos elementos de la historia cobren más importancia que otros. En este caso se crea un desequilibrio que, si se domina adecuadamente, puede transformarse en un nuevo equilibrio. Sin embargo, en mi caso, si algo así llega a ocurrir, sucede durante el rodaje. Nunca en el montaje. Según mi método de montaje, este es un trabajo de precisión más que de imaginación. Depende de cada imagen, y por eso continúo montando según el método tradicional* porque el montaje digital solo permite una precisión de seis en seis imágenes. No podría “reconstruir” una escena en el montaje. Me sería imposible. Pero comprendo perfectamente los filmes que se deben enteramente al montaje, como Apocalypse now! (1979), cuya historia no dejó de evolucionar durante el rodaje y el montaje. No existen reglas. ¡Pero ésta no es la solución más económica! Aconsejo sinceramente a quienes quieran hacer una larga carrera en el cine que no trabajen como genios derrochadores. Pueden trabajar como genios si eso les divierte… ¡pero no muy caros!
CADA CUAL TIENE SU CAMINO
No tengo ningún consejo que dar a quienes quieran hacer cine en la actualidad. No hay decisiones buenas o malas. Lo formidable del cine es que adopta muchos rostros: hay grandes cineastas reconocidos a los que no soporto, y otros que me encantan y a todo el mundo le parecen malos. Sin embargo, uno de los errores más insólitos en el cine francés contemporáneo es la necesidad que sienten los directores de escribir sus propias películas. Aparentemente, aquello que nos divertíamos en llamar la política de los autores, en los años sesenta, se ha entendido mal. No era un elogio a los guionistas, en absoluto. Al contrario, los dos cineastas que se citaban como ejemplo eran Hitchcock y Hawks, que no escribían una sola línea pero que no obstante lograban imponerse como autores de sus películas. En la actualidad, todos los realizadores principiantes escriben su propio guión, y cuando veo sus películas tengo la impresión de que las faltas de ortografía aparecen en la pantalla. No tengo nada contra las escuelas de cine, aunque creo que no bastan para una formación completa. Lo bueno de las escuelas es que en ellas se ven muchas películas, normalmente a través del principio de “visita guiada”, es decir, con un profesor que te explica cómo ver cada filme. En mi propio caso, viendo películas es como me apetece hacerlas. Fue la admiración lo que en un principio me empujó hacia el cine, aunque si vuelvo a pensar en ello, cuando creamos aquello que todavía hoy se conoce como Nouvelle Vague, fue ante todo como reacción contra un cierto tipo de cine. Para concluir, diré que el aspecto más destacable de las escuelas de cine es que permiten distinguir a los que quieren hacer cine y los que quieren estar en el cine, que no es lo mismo.
Yeelen, de Souleymane Cissé (La luz. Mali, 1987, 106 min). Con este ejemplo de cine 'trascendental' presenta un África enteramente independiente de influencias foráneas en un tiempo anterior a la llegada del Islam o de la Cristiandad. A través de la exploración brillante de sus raíces míticas y un conocimiento ancestral Yeelen muestra que la inspiración democrática contra las dictaduras y tiranías en África provienen de la herencia de su propio pasado y no de Occidente.
Como ya se ha dicho, muchas son las películas que han mostrado itinerarios iniciáticos, casi siempre en el plano dramático de una vida exotérica, de fácil identificación para el espectador común y su no menos azarosa vida cotidiana, que va configurando su propio calvario. Pero no son tantas las obras que tocan ese mismo tema en el contexto no tan ordinario de las sociedades más o menos ocultas, en las cuales se emplea el término iniciado en su vertiente esotérica. En este sentido Yeelen ofrece una gran riqueza documental en su descripción marcadamente realista de las tradiciones étnicas de las tribus Bambara, Peul y Dogon, de origen sudanés en la noche de los tiempos y, desde hace bastantes centurias, habitantes afincados en el territorio maliniano. Posiblemente, en África Occidental, sean los pueblos que más hayan llamado la atención de los antropólogos por los sorprendentes conocimientos que se han descubierto en su acervo cultural, ejemplo de insólita sabiduría.
Cissé confronta la realización desde una perspectiva autóctona, y es probable que con esta cinta logre un testimonio más directo y espontáneo que el ofrecido por muchos documentales extranjeros sobre el mundo africano. Con todo, sus aspiraciones de verosimilitud encontraron serios obstáculos, como la dificultad de hallar verdaderos Peuls que aceptaran aparecer en la pantalla, pues para ellos eso es sinónimo de prostitución; como también hubo de superar las discusiones con los jefes religiosos, que por fin aceptaron ponerse ante las cámaras y celebrar realmente, delante de ellas, una ceremonia del Komo, sociedad secreta de los Bambara, algunos de cuyos iniciados se interpretan a sí mismos en la película.
Pero Yeelen va mucho más allá de los límites del documental etnográfico. Mediante imágenes e ideas de fascinante belleza natural pasa a niveles simbólicos y mitológicos con espontánea sencillez, abarcando toda la complejidad de la condición humana y cósmica. Partiendo de una verdad física y tangible, sostenida en las bases de un naturalismo estilístico, arribamos a una verdad intangible, trascendente, a través de un realismo poético y mágico. Se ha elegido el camino de la verdad para mostrar el camino iniciático de la vida que se nos presenta, un camino ético y estético hacia la luz.
Acompáñanos este viernes 10 de septiembre, en el Centro Cultural Cafae-Se (Av. Arequipa, 2985) a la presentación de la edición N° 25 de Godard! Se proyectará además “El Cementerio de los Elefantes”, prestigioso cortometraje de Armando Robles Godoy, director homenajeado en este número de la revista.
Hora: 7: 30 p.m. Ingreso libre (salida con revista). Solamente este viernes, durante la presentación de Godard! N° 25, podrás adquirir nuestra nueva edición al precio especial de S/. 10. ¡Te esperamos!
P.D. También aceptamos pedidos de ediciones anteriores (a S/. 5 c/u).
LA NUEVA CARA DEL CINE PERUANO, EN EL CINECLUB DE PUEBLO LIBRE
Ciclo de Cine UNA PEQUEÑA MIRADA: La nueva cara del cine Peruano
El Cineclub de Pueblo Libre presenta un ciclo con largometrajes y mediometrajes de nuevos realizadores peruanos todos los miércoles de Septiembre a las 7:30 pm en el Galpón Espacio (Av. Cipriano Dulanto 949, ex La Mar). El ciclo contará con la presencia de los directores para un conversatorio después de la proyección.
El ciclo reúne trabajos de jóvenes directores que poseen una mirada particular e interesante sobre el cine, las cuales aportan a la evolución del lenguaje audiovisual en nuestro país. Entre los realizadores tenemos a Raúl del Busto,quien posee un cine introspectivo, muy particular, ha sido ganador del premio Hubert Bals. Hector Gálvez, director de Paraíso y ganador del premio a mejor Guión en el Festival de Huelva. Mauricio Godoy, una de las miradas mas interesantes del documental, ganador del premio Filmocorto. La agrupación cultural Mercado Central, ganadora del premio al mejor Proyecto de Documental Latinoamericano en el Forum de Producción DocBsAs 2008. Jonatan Relayze, seleccionado para Talent Campus del festival de Berlín y Juan Daniel Fernandez seleccionado para el Talent Campus del Festival Bafici, Argentina; ademas tiene un largometraje en su haber.
La muestra contará con los siguientes trabajos:
Miércoles 8 de Septiembre:
La Espera de Ryowa
Director: Raúl del Busto
Conversatorio con el critico Emilio Bustamante
Miércoles 15 de Septiembre:
Las Partes del Todo
Director: Mercado Central
Robles Godoy Papá Ciudad Manjar Bagua Director: Mauricio Godoy
Miércoles 22 de Septiembre:
Mirada de Tusan Mami Memento Mori Director: Jonantan Relayze
David Oct. 98 Director: Juan Daniel Fernández
Miércoles 29 de Septiembre:
Retrospectiva Héctor Galvez
Director: Héctor Galvez
Conversatorio con los directores después de la proyección.
El cineclub de Pueblo Libre en conjunto con la asociación Cultural “El Galpon” trabaja este proyecto de difusión y formación cinematográfica buscando cubrir la carencia de espacios culturales existentes en el distrito.
DOS PELÍCULAS DE RAFAEL ARÉVALO EN EL CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA
Este miércoles 8 y jueves 9 de septiembre, se presentan en el Centro Cultural de España Alienados y Kasa Okupada, dos largometrajes de Rafael Arévalo, cineasta peruano conocido por sus películas de argumento extravagante y hechas con mínimos recursos. Para la función del miércoles 8, el director estará presente para entablar un diálogo con el público.
A continuación reproducimos extractos de la entrevista realizada por Juan Carlos Fangacio y publicada en la edición N° 24 de godard!
Subterráneo y Nostálgico Alienígena - Entrevista a Rafael Arévalo
¿Cómo llegó la idea de Alienados?
A inicios de 2007, pensaba hacer una película con solo dos personajes y escenas largas, de un solo plano, pero se robaron la cámara que iba a utilizar. Fue así que me dije que, si no podía hacer la película que quería, tendría que hacer la película que estuviera a mi alcance. Escribí el guión en un mes y empezamos a grabar. ¿Y en qué te influenciaste? Bueno, como la idea inicial era una película al estilo de los hermanos Dardenne, decidí irme al otro extremo: como fanático de la serie B, la serie Z, les dije a mis amigos "juntémonos, los voy a hacer actuar y no es necesario que lo hagan bien". Por eso hice a personajes algo deshumanizados y mis influencias van desde David Lynch hasta las películas de Troma.
¿La idea de los diálogos en off fue intencional o funcionaba como un recurso que te facilitara el trabajo del sonido?
La idea surgió porque no tenía micrófono, no tenía dinero para hacer la película. La he hecho con 200 soles. (...) En ese momento me dije "no tengo medios para hacer una película con sonido directo, ¿cómo lo resuelvo?", y se me ocurrió la idea de los diálogos, que muchos me han dicho que parecen telepáticos, pero es una manera de despersonalizar a mis personajes. La película es también bastante "callejera".
¿Algún motivo para eso?
Aparte de aprovechar las locaciones que la ciudad me brinda, todos los lugares los escogí porque tenían una carga emotiva. Eran los barrios donde me crié, los barrios de mis amigos. Desde el Callao hasta Miraflores, todas esas zonas son mi ambiente. La forma en que tocas el tema de la juventud es también interesante, porque es cierto que se abordan temas de drogadicción, sexualidad, pero no vulgarmente. Sí, porque me parece que en el cine del Perú se juega mucho con el tema de sexo-drogas-y-rock-n-roll. Que todos los jóvenes tienen que drogarse y tirar como conejos sin parar. La idea era descontextualizarlo. O sea, es el cliché, pero renuncio a él.
¿De que trata tu segunda película, Kasa Okupada?
Así como en Alienados, me centré en una pequeña comunidad de aficionados a los OVNIs. En Kasa Okupada sucede algo similar, pero con un grupo de brujas que, durante un eclipse, forman un aquelarre para abrir un portal a otra dimensión, donde podrán ser felices.
¿Cómo manejaste el tema de la dirección de actores?
Varios me pedían que ensayemos y yo no quería. Los que se sentían más intimidados me decían que los pruebe, pero yo quería que algunos personajes transmitieran timidez o inseguridad, que estén bien cohibidos. (...) Había amigos que sí querían actuar más "tradicionalmente", pero yo los cortaba. Y había otros que no quería actuar para nada, pero yo les ponía la cámara en la cara y eso me pareció muy interesante.
Miércoles 8, 4 p.m.
Alienados. Dir: Rafael Arévalo. Perú (2008, 108'). Reparto: Lucas Pen, Vera Crispín, Katia de la Cruz. Sinopsis: Un grupo de jóvenes fanáticos de los ovnis viajan a una misteriosa playa buscando tener un encuentro cercano. Los extraños sucesos que ahí se producen los hacen caer en una histeria colectiva y, poco a poco, todos comienzan a perder la razón al convencerse de que una invasión extraterrestre se está produciendo sin que el resto de la población parezca notarlo.
Kasa Okupada. Dir: Rafael Arévalo. Perú (2010, 66'). Reparto: Ricardo Canales, Tilsa Otta Vildoso. Sinopsis: Un joven es secuestrado por un par de sádicos que lo someten a todo tipo de torturas día tras día por puro placer hasta hacerlo perder la memoria. Cuando finalmente logra escapar, se refugia en una casa abandonada que ha sido ocupada por dos jóvenes brujas que la están preparando para realizar un ritual que les otorgará un gran poder. Un eclipse solar está por producirse y cambiará la vida de todos los personajes para siempre.
LA REVISTA GODARD! PRESENTA "FELIPE, VUELVE" DE MALENA MARTÍNEZ, EN EL CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA
Función exclusiva en el Centro Cultural de España de este personalísimo documental grabado en Cuzco por Malena Martínez, colaboradora de godard! y residente en Austria. Los esperamos este martes 7 de septiembre a las 4 p.m. para ver "Felipe, Vuelve". Ingreso libre.
Sinopsis: Male, inmigrante en Austria, viaja a Cusco para filmar a un personaje de su niñez: Felipe Valer, indígena quechuahablante que fue el último pongo en la ex-hacienda de su abuela ha sido echado luego de 39 años de servicios por el tío Augusto. Con la ayuda de Loti, su madre, quien lo conoce desde su niñez, lo buscan y esperan sin éxito. El último intento será ir a Chifya, comunidad campesina donde vive Feli, hija menor de Felipe.
Notas sobre el documental
Felipe, vuelve fue producto de mi viaje al Perú en 2006 para investigar sobre la historia de la familia Valer, que dependía económicamente de la ex-hacienda de mi abuela y sobre la que yo quería hacer un documental. Felipe era el abuelo y lo único que yo podía contraponer a mi certeza de que él un día sería inminente olvidado incluso por mi familia, era prometerme filmarlo y retener así su imagen y su recuerdo. No me sentía nada bien aportando a su olvido por omisión. Temiendo por su edad y salud, compré mis tickets para Perú y Cusco apenas ahorré lo suficiente.
Sin embargo tenía una idea "poética" e irrealista de cómo hacerlo: filmarlo poco a poco, probablemente sentado, centrarme en las huellas que su trabajo y la vida había dejado en su cuerpo, sus arrugas, sus manos, sus pies, sus ropas. Como una fotografía en movimiento. Esto fue imposible, no se puede hacer si no con un modelo o alguien durmiendo. Felipe jamás se iba a quedar quieto para hacerme el favor, ni yo se lo pediría. El cuerpo de Felipe aún estaba en plena actividad y absolutamente desinteresado de lo que significara su "representación".
En general filmar fue más difícil de lo que pude haber imaginado. No por mi inexperiencia, por la extrema irregularidad del suelo ni debido a mi decisión de evitar cualquier presencia ajena (asistencia técnica), indicación o pedido que interfiriera en lo mínimo con las relaciones que quería capturar. Era que para mí significaba el reencuentro con personas que no había visto desde mi niñez. No podía llegar y mirarlas como un pirata escondiendo un ojo tras la cámara. Menos aún cuando comenzaban a hablarme de sus vidas. Tampoco tenía tiempo para volver. Mientras estuve con ellos sentía que mi cámara, mi proyecto y las imágenes que me esmeraba en capturar eran inmensamente inútiles frente a sus necesidades básicas.
Cuando quise hablar con Felipe sobre su biografía, fue imposible que éste armase una narrativa sobre su vida, no había pensado en ese abismo con la cultura racional occidental. El lenguaje no fue el único responsable de este fracaso.
Cuando le pregunté a Feli, la hija si la podía filmar, no entendió. La cámara ni le interesaba, creían que era de fotos -por donde iba me pedían siempre que les tome fotos de familia. Casi tuve que explicar qué es un televisor. Donde viven recién está por llegar la luz eléctrica a las casas, si llega. Aún amanecen con el sol y anochecen con la luna. Preguntar a cualquiera si le podía filmar les sonaba incluso demagógico. Nadie tenía nada en contra, al contrario. Recordemos también que yo iba siempre con mi madre a quien todos conocen desde la niñez y a quien siempre hablan con respeto y cariño. Yo no pensaba que ya de esa visita iba a surgir mi documental pero felizmente obtuve la aprobación oral de los participantes para filmarlos. Y allí está el documental, mi homenaje a Felipe Valer.
SOLO LAS VERÁS AQUÍ: 4 OBRAS MAESTRAS DESCONOCIDAS. NUEVO CICLO EN LA CAYETANO HEREDIA.
Cineclub de la Cayetano de Heredia.- Lunes. 7 de la noche. Av. Armendáriz 445, Miraflores. Entrada Libre.
Cuatro películas de culto. Cuatro obras maestras desconocidas. Cuatro películas espirituales, profundas, prohibidas, liberadoras; de escasa distribución, casi imposibles de hacer, habitualmente incomprendidas y que forman parte de una historia secreta del cine.
Lunes 13 de Setiembre:
Yeelen, de Souleymane Cissé (La luz. Mali, 1987, 106 min).Con este ejemplo de cine 'trascendental' presenta un África enteramente independiente de influencias foráneas en un tiempo anterior a la llegada del Islam o de la Cristiandad. A través de la exploración brillante de sus raíces míticas y un conocimiento ancestral Yeelen muestra que la inspiración democrática contra las dictaduras y tiranías en África provienen de la herencia de su propio pasado y no de Occidente.
Lunes 20 de Setiembre:
Vase de noces, de Thierry Zeno (Vaso de bodas. Bélgica, 1974, 80 min). Filmada en blanco y negro, con un solo actor humano y con sonidos diversos y melodías que no hacen extrañar la palabra. Sublime, extrema, alegórica; inspirada por la pintura de Bosch, el análisis de Jung y el cine de Pasolini, comporta una reflexión en clave poética sobre la soledad del hombre y su regreso a una serie de experiencias primarias, 'míticas' y pre-lingüísticas.
Lunes 27 de Setiembre:
Angst, de Gerald Kargl (La angustia del miedo, Austria, 1984, 94 min). "Estaba muy interesado en la psicología de este asesino en serie (Kniesek) y quería proveer una mirada más honda de su psique, mayormente vía la narración en tiempo real y su voz interna, continuamente presente en la voz en off." Considerada superior a 'Henry, retrato de un asesino en serie' de John MacNaughton (1986) y referencia ineludible para el cine de Michael Haneke.
Lunes de 4 Octubre:
Themrock, de Claude Faraldo (Francia, 1973, 104 min). Sátira anarquista. "Hace años, un obrero dejaba de trabajar y sentía vergüenza, ya no era nadie. Ahora te encuentras a un tipo que te dice: "Llevo dos años en paro y voy a intentar renovarlo por un año más", y esto está muy bien. En Themroc hablo de esto. También hablo de que hacer el amor con tu hermana está muy bien, si ella está de acuerdo. Hay que acabar con los viejos tabúes burgueses. Yo descubrí la libertad muy tarde. Me refiero a tu libertad individual, íntima, que es muy importante."
La ambigüedad, contradicción, pecado o virtud que define a Contracorriente es que justa o injustamente cuanto quiere es ir con la corriente, aunque, en realidad, vaya a contracorriente… ¿O será al revés? Pregunta. ¿Hasta qué punto está ahí, en la película, el pensamiento real del director, y hasta qué punto está ahí lo que quiere el mercado, es decir, la ideología dominante?
Siento que la película, casi encuadre por encuadre, pide comprensión y compasión para con sus dos personajes principales, dos hombres que se aman; uno de ellos no se acepta a sí mismo, provocando así, de manera indirecta, un hecho trágico, reconvertido en mágico.
Claro: un antídoto de cara al ‘gran público’, contra la demonización de la homosexualidad o la bisexualidad o la pansexualidad, consiste en la angelización de los personajes. El aspecto Brokeback Mountain. ‘La pobre víctima’ de un ‘así es’ a la que se le tiene pena cuando uno como ‘público’ (y ‘privado’) puede ser parte del sistema que lo reprime, discrimina y mutila… Y luego, ‘tienen pena’…
Precisamente, cuando el más libre de ambos personajes experimenta ‘la conversión en fantasma’ queda fuera de juego. Así, deja de ser una amenaza real y concreta para la institución de la familia nuclear burguesa tal como la conocemos. ¿Se imaginan que esa relación fuera un éxito, no sería eso un desafío al paradigma autoritario y machista? Entonces solo desde esa dimensión de inferioridad, de afantasmamiento, la compasión resulta posible, ‘humana’… Este aspecto Ghost puede ser también una eficaz pintura de la crisis de conciencia del personaje digamos no-fantasma, para despertarlo, unificarlo interiormente, haciendo posible que recupere su propia dignidad.
La relación amorosa entre el pescador de pintores y el pintor de pescadores puede ser calificada por varios como televisión, telenovela, melodrama típico, película para señoras… Contracorriente no es comparable a Rabioso sol, Rabioso cielo, de Julián Hernández, Las Noches Salvajes, de Cyril Collard, o películas de Derek Jarman… Contracorriente no sería entonces tanto una película gay como una película que pide comprensión por el hecho de ser gay… ya que el público al que va dirigida es como un pueblito de pescadores… Pese a todo me pareció una película decente y correcta, incluso valiente. Quiere enfrentarse a un tema que sí conoce y lo logra en una cierta medida.
Y para un contexto tan asquerosamente conservador y retrógrado como el peruano Contracorriente es un paso adelante. Se sabe que el proyecto anduvo rebotando en Conacine varios años, lo cual indica que acaso, y a despecho de las argumentaciones expuestas, era demasiado progre para ellos…
El cineclub "Ojos abiertos" de la UTP, con el apoyo de PROYECTO LADO B, presentan el ciclo CINE Y MUSICA: DOCUMENTALES, presentando documentales sobre movimientos musicales de contracultura que generaron a su vez impactos sociales vigentes hasta la actualidad. Las proyecciones serán todos los jueves de septiembre a las 7:30 p.m. en la Universidad Tecnológica del Perú, cuadra 1 de la Av. Petit Thouars, en el auditorio "Elisa Toullier de Valcárcel" (Pabellón "F" 3º piso). El ingreso es libre.
JUEVES 2 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Punk attitude País y año: EEUU. 2007/ Director: Don Letts
A mediados de los años 70, una revolución encendió las calles de Londres y de Nueva York, afectando a la juventud del momento y de todas las generaciones futuras. El Punk redefinió el pop, amenazando con romper todo lo establecido y legitimizando la actitud independiente. Inspiración para una generación entera de músicos y cineastas, poetas, fotógrafos, diseñadores y de artistas gráficos. La película recorre la historia de este movimiento, combinando entrevistas con las principales figuras del movimiento con un importante material de archivo. Un a narración cronológica que permite que los hechos hablen por sí mismos.
JUEVES 9 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
American hardcore País y año: EEUU. 2006/ Director: Paul Rachman
Documental que bucea en las tendencias suburbanas que a partir de los 80 confeccionaron lo que conocemos como Movimiento Punk. Con archivo de bandas como Circle Jerks, The Misfits y Suicidal Tendencies, entre muchas otras, el film recorre en 98 minutos con una mirada diferente del fenómeno, más los efectos visuales del diseñador John Vondracek, respetuoso de la estética 80s.
JUEVES 16 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Metal: a headbanger's journey País y año: EEUU. 2005/ Director: Sam Dunn
En 1986, algo extraño ocurrió: el Heavy Metal se convirtió en la música más popular del mundo, y por todas partes se veía a chicos de pelo largo haciendo la señal de los cuernos y tocando air guitars. Pero no a todos les gustaba: los críticos la calificaron de música poco sofisticada para gente poco sofisticada. Un artículo llegó a llamarlo enfermo, repulsivo, horrible y peligroso...". Así comienza Sam Dumn la narración de su película, posiblemente el mejor trabajo audiovisual de investigación sobre el Metal hecho hasta la fecha, y sin duda uno de los más entretenidos, y que da en el objetivo de saber qué, dónde y cómo se originó este estilo musical, y a qué se debe que haya generado siempre reacciones tan encontradas entre el público.
JUEVES 23 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Hype! País y año: EEUU. 1996/ Director: Doug Pray
Es un documental que nos muestra el origen, crecimiento y sobre-exposicion del Seattle-Grunge. Tomas y entrevistas a grupos, productores, fans que nos muestran que el grunge no sólo es Pearl Jam, Nirvana, Alice in Chains, Soundgarden, sino muchísimo más. Se pueden ver grabaciones y registros en vivo de grupos como Blood Circus, Coffin Break, Crackerbash, Dead Moon, Fastbacks, Flop, Gas Huffer, Green River , The Gits, Hammerbox, Love Battery , The Melvins, The Mono Meny Mudhoney. Aparece también Nirvana (la primera tocata en vivo de Smells Like Teen Spirit, cuando aún eran 4 y Kurt se llamaba Kurdt), The Posies, Seaweed, 7 Year Bitch, Some Velvet Sidewalk, Soundgarden, Supersuckers, Young Fresh Fellows y Zipgun.
JUEVES 30 DE SEPTIEMBRE, 7:30 p.m.
Live forever: The rise and fall of the britpop País y año: EEUU. 2003/ Director: John Dower
Es un documental que retrata el auge y caída del Britpop de los años 90. Un movimiento que no sólo fue representado por la música de Reino Unido de esos años si no que por toda una efervecente cultura popular británica que se dió a conocer a nivel mundial. Contado por sus íconos mas representativos: Blur, Pulp, Oasis (aunque ellos nunca se reconocieron parte del Britpop), The Verve, entre otros.
